One SongJoshua Redman — Jazz Crimes
Joshua Redman, Elastic (2002).
Flea처럼 엄지손가락이 아래를 향하게 슬랩을 치는 학생이 있었다. 무대에서는 스트랩도 길게 늘어뜨려 맸다. 그 자세가 나쁘지 않았다. 본인의 스타일이 잘 살아 있었다.
그런데 학생은 자세를 바꾸고 싶어 했다. 같은 밴드의 동아리 선후배들이 자세가 왜 그러냐고, 잘못됐다고 했기 때문이다. 학생이 원한 건 Marcus Miller 같은, 흔히 말하는 일반적인 자세였다.
나는 굳이 고칠 필요가 없다고 봤다. MonoNeon은 베이스를 뒤집어서 치는데도 아무 문제가 없다.
고등학교와 대학을 거쳐 수많은 연주자를 만났지만, 똑같은 자세로 치는 사람은 한 명도 보지 못했다.
Carol Kaye는 피크로 연주했다. Flea는 아주 독특한 슬랩 자세를 가졌다.
그런데 둘 다 연주도, 소리도 훌륭하다.
모두가 Marcus Miller의 자세를 가질 필요도, 이유도 없다. 본인이 원해서 그렇게 하고 싶다면, 하면 되는 거고.
각자 다른 자세로 자기 소리를 내니까, 연주자의 캐릭터가 산다.
원하는 소리가 잘 나온다면, 1차적인 목표는 이미 이룬 것이다.
물론 연주는 소리만으로 끝나지 않는다. 퍼포먼스와 액션도 엄청나게 중요하다.
그래서 나는 굳이 바꾸지 않는 걸 추천했다. 잘 잡힌 자세를 굳이 바꿀 이유도 없거니와 고치는 건 몇 배나 더 힘들 수 있기 때문이다.
그 자세는 일반적이지는 않지만 그게 캐릭터가 되어 엄청난 장점이 될 수도 있다고.
물론 왜 그렇게 치는지 사람들에게 설명해야 할 때가 또 올 수도 있긴 하지만.
그래도 학생은 바꾸길 원했다. 그래서 스트랩 길이부터 고치고, 메트로놈과 함께 차분히 새로 연습했다.
빠른 곡이나 부담되는 구간이 오면 원래 자세가 조금씩 다시 나오려고 했다. 그래도 결국 잘 교정했고, 소리도 달라졌다. 학생에게는 슬랩을 칠 수 있는 옵션이 두 개로 는 셈이다. 상황에 따라 맞춰 쓸 수 있게.
고치고 나서 학생이 말했다. 굳이 이렇게 해야 했을까요.
그럴 필요는 없긴 했다. 그래도 이왕 고친 거, 상황에 따라 쓰라고 했다.
연주자가 원하면 바꾸면 된다. 다만 꼭 바꿔야 하는 건 아니다.
나도 자세를 바꾼 적이 있다. Marcus Miller의 엄지 소리를 들으며, 어떻게 그런 소리가 나오는지 따라 하고 싶었다.
핑거링은 Matthew Garrison의 자세를 보고 그 톤을 따라 했다. 그래서 악기를 바꿔 보기도 했다.
그렇게 옵션이 늘어난 게 너무 좋았다.
누가 틀렸다고 해서 바꾼 게 아니다. 내고 싶은 소리가 있어서 바꿨다.
그래서 나는 자세 이야기를 하기 전에 먼저 묻는다. 어떤 소리를 내고 싶은가.
내가 어떤 소리를 원하는지는 배워서 아는 게 아니라, 들어서 생긴다. 많이 들은 사람은 자세도 소리도 자연스럽다. 머릿속의 소리를 따라가다 보니, 몸이 알아서 그 자리를 찾아간 것이다.
자세는 각도나 위치가 아니라, 소리와 느낌의 문제다.
자전거를 처음 배울 때 잡은 자세가 평생 간다. 베이스도 그렇다. 처음에 만들어진 감각이 그대로 굳는 경우를 정말 많이 봤다.
첫 수업에서 내가 확인하는 건 딱 두 가지다.
오른손이 줄에 닿을 때의 느낌. 손가락으로 줄을 뜯을 때 어디가 어떻게 걸리는지.
왼손이 지판에 닿을 때의 느낌. 한 손가락을 기준으로, 누를 때 어떤 감각인지.
기술을 익히는 게 아니다. 감각을 기억하게 하는 것이다. 이 느낌이 기준점이 된다.
둘째 주에는 그 감각을 다른 손가락, 다른 자리에서도 똑같이 찾게 한다. 검지로 눌렀을 때의 느낌을 약지로도, 1번 프렛에서 느꼈던 걸 7번 프렛에서도. 여기서 안정감이 생긴다.
초보자의 연주가 흔들리는 건 손가락이 약해서가 아니다. 자리마다 감각이 달라서, 매번 다시 찾고 있기 때문이다.
그래서 레슨을 받을 계획이라면, 처음 네 번 정도는 개인 악기 없이 레슨만 받기를 권한다.
집에 악기가 있으면 이것저것 쳐보게 된다. 가장 열정적으로 많이 치는 시기라서 더 그렇다. 그런데 아직 기준이 뭔지 모르는 상태에서 혼자 몇 시간을 치면, 엉뚱한 감각이 그대로 몸에 박힌다.
앞의 학생이 빠른 곡에서 원래 자세로 돌아가려 했던 것도 같은 이유다. 먼저 몸에 박힌 감각은 그만큼 힘이 세다.
나와 만나는 건 일주일에 한 번이다. 그 한 타임으로는 일주일 동안 굳은 걸 못 고친다. 다음 주에 오면 또 그만큼 굳어 있다.
첫 달에 만들어야 할 건 실력이 아니라 감각이다. 그건 나중에 고치기가 훨씬 어렵다.
자세는 자유롭다. 하지만 기준이 하나 있다. 어디가 아픈가다.
오른손 끝이 전혀 아프지 않다면, 줄을 너무 살살 건드리고 있는 것이다. 거기는 아파야 하는 곳이다.
손목이나 어깨가 아프다면, 그건 참을 일이 아니다. 거기는 아프면 안 되는 곳이다.
이 둘이 뒤바뀌면 소리와 아무 상관없는 습관이 자란다. 열심히 했는데 소리가 좋아지지 않는 이유가, 대개 여기 있다.
나는 손목이나 어깨가 아팠던 적이 한 번도 없었던 걸로 기억한다. 아팠던 건 줄을 직접 터치하는 오른손 손가락이다. Rocco Prestia와 Paul Jackson을 따라 하고 싶어서 엄청 강하게 쳤을 때였다.
주변에는 손목 건초염으로 고생하는 베이시스트 친구들이 많다. 자세가 잘못돼서라기보다, 전문 연주자로서 무리가 될 만큼 많이 연주했기 때문이다.
독학하다 레슨에 온 사람들에게서 실제로 많이 보는 문제가 이거다. 연습은 많이 하는데, 아프면 안 되는 곳을 아프다고 참고 있거나, 아파야 할 곳을 안 아프게 피해서 치고 있다.
처음에는 오른손 끝이 아프다. 아플 정도로 했으면 칭찬받을 만하다. 그리고 그때는 쉬어야 한다.
재미있으면 손이 아파도 그만둘 생각 자체를 안 한다. 반대로 '아픈데 좀 쉴까' 하는 생각이 들면, 그건 쉬어야 할 때다. 입시생도 그때는 쉬어간다.
아파야 하는 곳은 아프고, 아프면 안 되는 곳은 아프지 않아야 한다.
실용음악과 입시를 준비하는 학생들은 실기시험의 비중이 크다. 그리고 대학에 들어가면, 알바처럼 입시 반주를 많이 하게 된다.
드럼이나 기타 입시곡에는 빠르고 복잡한 움직임과 변박이 자주 나온다.
합을 맞추다 보면 호흡이 잘 맞지 않는 친구들이 있다. 칠 때마다 호흡이 달라지는 느낌이다.
확인해 보면, 특정 필인에서 숨을 참고 치는 경우가 많았다.
그때 처음 깨달았다. 나도 숨을 참고 있었다.
그래서 차분히 리듬을 정리했다. 속으로 세는 박자와 연주하는 손의 호흡을 맞췄다.
무거운 아령을 들 때 숨을 참게 된다. 연주도 똑같다.
어려운 부분이 나오면 자기도 모르게 숨을 참고, 그러면 온몸이 뻣뻣해진다. 손만 풀려고 해서는 풀리지 않는다.
그 뒤로는 어디서든 리듬이 맞지 않을 때면, 누군가 숨을 참고 있는지부터 확인했다.
'손이 작아서 못 친다'는 말에도 나는 동의하기 어렵다. 손이 작은 분들도 연주를 잘하는 경우가 많다. 작아서 힘든 게 아니라 힘이 덜 풀려서 그런 경우가 대부분이다. 그리고 힘이 안 풀리는 건, 대개 다른 데 원인이 있다.
정답인 자세는 없다. 대신 내가 숨을 쉬고 있는지는, 언제든 확인할 수 있다.
독학하는 사람들이 가장 많이 걱정하는 게 이거다. 혼자 하다가 자세가 이상해지면 어떡하죠.
조건부로 답하겠다. 내가 내고 싶은 소리가 뭔지 알고, 아프면 안 되는 곳이 어디인지 안다면, 걱정하지 않아도 된다.
반대로 이 둘을 모르는 상태라면 얘기가 다르다. 기준 없이 혼자 몇 달을 치면, 소리와 상관없는 습관이 굳고, 아프면 안 되는 곳이 아픈 채로 버티게 된다. 그 경우에는 자세 걱정이 과한 게 아니라 정당한 걱정이다. 한 번 봐줄 사람이 필요하다.
자세에 정답은 없다는 말은, 아무렇게나 쳐도 된다는 말이 아니다. 각도 대신 소리와 느낌을, 모양 대신 어디가 아픈지를 보라는 말이다.
정답은 각도가 아니라 소리다. 내가 원하는 소리를 냈을 때의 느낌을 기억하려고 거울을 보는 건 좋다. 하지만 눈으로 본 자세를 따라 하려고 거울을 보는 건, 접근이 어렵지 않을까.
정답은 유명한 연주자의 자세가 아니라, 내가 원하는 소리를 낼 수 있는 자세다.
